From Erato STU 70593:

Chant, for orchestra Trajectoires, for violin and orchestra

Gérard Jarry, violin Orchestre National de L'O.R.T.F. Conducted by Gilbert Amy

Gilbert AMY was born in Paris in 1936. Before undertaking any musical studies he finished his classical secondary education. At the Paris Conservatoire Darius Milhaud and Olivier Messiaen were his masters. In 1956 he met Pierre Boulez and on several occasions worked under him: in Paris, in Darmstadt and later in Basle in 1965 during his Conducting Courses. Composer and conductor, Gilbert AMY has since 1967 also succeeded Pierre Boulez in the Direction of the Domaine Musical.

Over and above the two works here recorded, the following principal compositions are to be remembered: Mouvements for 17 solo instruments (1958) Piano Sonata (1957-60), Diaphonies for a double ensemble of 12 instruments (1962), Cahiers d'Epigrammes pour piano (1965), Cycle for 6 percussions (1964-66), Strophe for soprano and orchestra to a poem by Rene Char (1965-66), Relais for brass (1967-69), Cette étoile enseigne à s'incliner for voice instrumental ensemble and tape (1970), Récitatif, Air et Variation for 12 solo voices (1970). The author himself admits that Trajectoires and Chant, as also Strophe and Triade form "a series (...) of orchestral works representing a poetical vision at least as important as the formal research which brought them to life ".

Dialectical union of poetical vision and technique - one is here confronted with a typical product of the most exacting contemporary aesthetics. Here the physics and chemistry of the orchestra beget the " DRAMA ", that is to say, the plot, the happening. Nothing "anecdotal" even if Trajectoires might seem to be a concerto: the violin is reintegrated into the orchestra from which certain ambitious violinists had ousted it in the 18th century.

Here then, the musical happening takes place in the orchestra. The typical form in use in recent western music (18th-19th centuries) is both abandoned and disrupted: this is because it does not exist, not yet.

The orchestra only reveals itself as such when Mahler's and Berg's impossibly luxuriant music rings its doom.

To others is left the care of new inventions, to Debussy (Jeux), to Schoenberg (Lieder with orchestra, op. 22), to Bartok (piano concertos 1 and 2, Music for strings). Poor solutions, no sooner conceived than outdated, in which all reiteration is impossible, not to mention parody or misconstruction. (Can then something impossible to reiterate be a masterpiece ?). Gilbert Amy undoubtedly owes to Pierre Boulez a certain form of orchestra: the choice of certain percussions rather than others, groups of preferential timbres, piano-harp-celesta-glockenspiel. Nevertheless nothing more than the affinity which unites the orchestras of Berg and Mahler. It would therefore appear evident that Trajectoires invents AN orchestra, that Chant displaces (one is tempted to say "jostles ", if such a term were permitted) the centre of gravity of Boulez' orchestra: torn simultaneously between the lower and higher registers.

The only aim of the purposely barren titles of the two works here recorded is that one may hear the two orchestras, or to be more exact THE orchestra TWICE - which is a thing that few composers have attained. From Mahler to Boulez the few names cited above bear witness to the spheres in which Gilbert Amy orbits.

Trajectoires (1965-66), first performed at the 1968 Royan Festival, was written for 64 strings, almost incessantly at loggerheads, 6 horns, 4 trumpets, 4 trombones, a tuba, 2 harps, drums (2 players), 5 percussions, (xylorimba, vibraphone, bell-tubes, african drums, glockenspiel, tom-toms, etc...). Chant (1967-68 - revised in 69) was first performed at Donaueschingen in October 1968 with Ernest Bour conducting, then in Paris in 1969 under the composer's own direction. This work is for 4 flutes, 3 oboes (of which one a baritone oboe), 1 cor anglais, 2 clarinets, 2 bass-clarinets, 4 bassoons, 6 horns, 4 trumpets, 3 tenor-trombones, 1 bass-trombone, 1 counter-tuba, kettledrums, 5 percussions (2 marimbas, vibraphone, bell-tubes, tom-toms, and gongs), 2 harps, a piano, celesta, a complete string quintet (divided into 2 and 4 groups).

While composing his works Gilbert Amy is always conscious of being also a conductor. Thus a part of Trajectoires is comprised of rhythmic elasticity, and Chant requires a conductor's firm hand - especially in the execution of certain sections.

Chant is in binary form: two parts linked one to the other, a local antiphony which divides the orchestra into two groups, the orchestra itself twice separated into two instrumental groups.

In a somewhat different way, Trajectoires is based on a loose passage-like structure: welded/tethered, smoothed out, decomposition/mass recomposition.

The principle of passage-music as applied to fundamental structures creates an "interweaving of textures", interweaving of structures - that is to say a total absence of the one and the other, or else their exclusive presence with all intermediate degrees - but at the same time interweaving of instrumental groups. Thus it is that there is nothing extraneous in this work, as in the classical or romantic concerto in which the soloist acts the principal role and leads the game, the orchestra making use of the same themes as he.

Here, on the contrary, the soloist is "alternately" a MEMBER of a composite whole and independent ACTOR where the orchestra is concerned. Trajectoires therefore is not a concerto: the autonomous trajectory of the violin may meet, cover, uncover, ignore, punctuate the trajectories of the other instrumental groups. It is indeed in the specificity and the pregnancy of this form of articulation that the formal invention of Trajectoires stands out.

Lastly the titles with their multifarious meanings conceal the unexpected. "Chant is intonation, musical recitation, Plain-Chant, melody, air, etc... it is also phonetically, "champ" (a field): a given temporal and musical space, an enclosed area, a detachable ensemble of sound, endowed with common denominators". Trajectoires, therefore, is different "trajets" (paths), each possessing its own curve, its own projection. And then, insensibly one is compelled to return to the orchestra, the hearing... Gilbert Amy's orchestra is unsparing in its total direction, reined-in brutality, a bedlam of noise... this orchestra affords practically no place to silence: the momentary absence of certain instrumental groups on stage - do not forget to WATCH this orchestra, its conductor - irrigates the action of the others. Often a prolonged pedal on the brass and lower strings is punctuated, questioned, suspended, by a crackle of pizzicati, of xylorimba...

Following this description the ear in its turn takes over: " revealing ths secret of his landscapes by dint of light and evidence", (Boulez a propos of Cezanne), so Gilbert Amy appears to us.

From Erato NUM 75264:

Shin'Alim Sha'Ananim (1979), for alto voice, clarinet, cello and instrumental ensemble; after a poem by Ibn Gabirol (XI century). Benedetta Pecchiloi, alto; Robert Fontaine, clarinet; Michel Strauss, cello; Nouvel Orchestre Philharmonique, conducted by Gilbert Amy.

Récitatif, Air and Variation (1970), for twelve mixed voices a capella. The BBC Singers, conducted by John Poole.

Relais (1967-1969), for brass quintet. The American Brass Quintet.

Born in Paris in 1936, Gilbert Amy is a key figure amongst the French composers of the middle generation. His artistic evolution has unfolded without any spectacular volte-face, towards an ever more accomplished maturity. His most important teachers were* Messiaen and Milhaud, he then learnt conducting with Pierre Boulez (1957), who introduced him to the newest music. Between 1959 and 1961, Amy, who had already written his first works, discovered Stockhausen, Nono, Maderna and Pousseur at Darmstadt. Since then and with equal success, he has pursued a double career as composer and conductor. In this capacity, he succeeded Boulez at the head of the Domaine musical from 1967 to 1973, then, when these concerts disappeared, he worked at the French Radio from 1976 to 1981 as chief conductor of the Nouvel Orchestre Philharmonique. Since 1984, he is Director of the Lyons Conservatoire National Superieur, whilst still pursuing an international career as conductor.

Initially, his work was strongly influenced by Pierre Boulez, and pieces of strictly serial obedience date from that period. Although Amy has continued to pay the greatest attention to form and construction, his music has long since blossomed out into expressive warmth, lyricism and tonal splendour, finding an invaluable point of reference in Alban Berg, whilst effortlessly fitting into the specifically French tradition of timbre and sensuousness. Amy's great orchestral pieces, (Strophe, Chant, Trajectoires, D'un Espace Déployé, etc.) are basic works in the present day symphonic repertoire.

This record confronts three works written around 1970 with an important piece written about ten years later.

Shin'Anim Sha'Ananim was written in 1979, commissioned by the Jerusalem Testimonium Festival and dedicated to its founder and director Mrs. Reha Freier. This Festival, held every fourth year, is always programmed around an aspect of Jewish culture. That year, this was the Medieval Spanish Sepharadic Jews, and Amy chose a short poem by Ibn Gabirol (XIth century), Angels of the Heavenly Presence.

The text is sung by a contralto in Hebrew, joined by two other soloists, a clarinet and a cello, who even finish the work with an important duet. The instrumental ensemble consists of three flutes, three clarinets, one trumpet, two percussions (metallic instruments), celeste, harp, piano, four cellos and two double basses. This intensely lyrical and expressive piece numbers amongst the most powerful and most inspired of Gilbert Amy's works.

Recitatif, Air et Variation for 12 a cappella voices dates from 1970 and was premiered at the Royan Festival in 1972 under the conductorsh of Marcel Couraud. A fragment taken from the poet Rene Daumal's collection Le Contre-Ciel is developed above all from the phonetic angle, and therefore split into phonemes. The three parts are linked together by a b-flat held by the sopranos. In Recitatif, the energy of breath dominates, in Air "male world and female breath unite in the poet's human envelope" (R. Daumal) lastly, in Variation the rhythm predominates, as a "discipline through which human animals achieve their only liberation." (R. Daumal).

The 1969 Brass Quintet Relais is a case, seldom found in Amy, of a work giving room for a certain amount of limited aleatoric writing, just as in some of Boulez's works. Relais consists of six short sections, whose order is determined by the first trombone, promoted "rally leader". Two of the sections (the third and fourth on this recording furthermore offer roundabout routes, with tempi and dynamics freely chosen by the performers. The latters are placed in a square around the first trombone.

Harry HALBREICH, Translated by Elisabeth BUZZARD

From Disque Adès 14.010 (POL 380):

GILBERT AMY, qui à un peu plus de quarante ans a derrière lui une carrière de compositeur et de chef d'orchestre déjà bien remplie, fut au départ le premier compositeur français de la génération d'après Boulez à se faire un nom. C'était à la fin des années 1950, à la belle époque du Domaine Musical, à une époque qui en même temps en était déjà à dépasser historiquement le sérialisme, voire à le remettre en question, et avec lui parfois les notions de créateur et d'œuvre achevée. Cette dernière attitude, dont on est largement revenu, Gilbert Amy ne la fit jamais sienne. Pour lui, le compositeur-créateur est un homme responsable, et cette responsabilité, il entend l'assumer pleinement, à l'opposé de toute "déliquescence de la pensée compositionnelle... Je ne ressens de communication qu'à partir du moment où j'ai le sentiment qu'il y a une pensée directrice qui devient pour moi symbole sensible sinon intelligible" (Musique en jeu n° 3, pp. 79 et 77). En Gilbert Amy semblent coexister, ou mieux se fondre, deux natures d'artiste : l'héritier de Boulez d'une part, avec ce que cela sous-entend de lucidité, d'intelligence, mais aussi de rigueur et d'austérité, et d'autre part l'explorateur ardent de la somptuosité et du raffinement du grand orchestre, avec une prédilection pour certaines régions obscures et les registres graves. La première nature domina pour commencer, avec notamment Diaphonies, puis la seconde prit le relais à partir du milieu des années 1960, avec Triade, Strophe (première version). Trajectoires et Chant, selon leur auteur "série d'œuvres orchestrales qui représentent une vision poétique au moins aussi importante que la recherche formelle qui les a énoncées". De Strophe, la première version (1964-66) fut créée en décembre 1966 à Bruxelles sous la direction de Pierre Boulez : elle ne fut jamais jouée en France. L'œuvre fut entièrement réorchestrée en 1977, et pour Gilbert Amy, cette seconde version - créée à Paris le 28 janvier 1978 dans le cadre de la série "Perspectives du XXe siècle" de Radio France (*) et enregistrée ici avec les mêmes interprètes - "n'annule pas la précédente, mais m'a permis de réviser certaines erreurs de perspective orchestrale. 11 s'est agi également de fixer dans une écriture plus stricte des éléments qui - flottants - me paraissaient trop inertes dans la forme générale".

Strophe est écrit pour soprano et grand orchestre (avec piano et une percussion nombreuse, notamment en instruments à clavier). Le noyau est constitué par cinq vers extraits de L'Action de la justice est éteinte, de René Char :

Tu ouvres (**) les yeux sur la carrière d'ocré inexploitable Tu bois dans un épieu l'eau souterraine

Tu es pour la feuille hypnotisée dans l'espace A l'approche de l'invisible serpent 0 ma diaphane digitale !

11 y a six parties, qui se jouent sans interruption dans l'ordre suivant : Strophe 1, Envoi, Strophe 2, Commentaire, Strophe 3, Vocalise. La voix intervient partout, sauf dans Commentaire, mais son traitement et ses rapports avec l'orchestre varient. Envoi et Vocalise, les parties les plus longues, durent respectivement un peu plus et un peu moins de six minutes, les quatre autres parties un peu plus de deux minutes et demie.

Strophe 1, Strophe 2 et Strophe 3 utilisent respectivement les vers 1 et 5, les vers 2 et 4 et les vers 3 et 5 de l'extrait de René Char, et sont de facture musicale homologue : voix en valeurs longues, enrobée par l'orchestre également en valeurs longues, et énonçant le texte en quatre phrases (cinq dans Strophe 3) séparées par de brèves interventions d'instruments solistes (plus nombreux et formant un tissu plus dense dans Strophe 3).

Strophe 1, Strophe 2 et Strophe 3, immobiles et étales, sont des plages de temps ; Envoi, Commentaire et Vocalise au contraire autant de moments d'action. Il y a dans Envoi trois épisodes : le début et la fin sont pour orchestre seul, et le centre pour orchestre et voix, celle-ci utilisant quelques phonèmes empruntés au dernier vers du poème. Commentaire est pour orchestre seul. Dans Vocalise, la voix se mêle et s'oppose à l'orchestre d'un bout à l'autre, et l'extrait de René Char est repris entièrement, du vers 1 au vers 5. L'action atteint là, parfois, un paroxysme de violence, notamment autour des mots "...de l'invisible serpent". Mais les ultimes sonorités sont des plus transparentes.

Sonata pian'e forte est une partition pour ensemble de chambre qui, précise Gilbert Amy, "a été écrite de novembre 1973 à mars 1974 à l'initiative de la Société de musique contemporaine du Québec, qui l'a commandée et à qui elle est dédiée.

"Le titre suggère un retour à la vieille formule antiphonale des musiciens vénitiens du XVIe siècle (Gabrieli)... Il ne s'agit évidemment que d'un rapport très lointain. L'auteur a réuni plusieurs groupes instrumentaux et deux voix de femme qui dialoguent, se répondent, s'amalgamant par juxtaposition. Parfois, la voix de soprano, légère et vocalisante, et la voix de mezzo, plus lyrique, se regroupent en de brefs "duos" autour des phonèmes isolés d'un poème imaginé par le compositeur. Inutile de connaître ce poème : il suffit de savoir qu'il comporte un minimum de sons, qu'il est bâti en forme d'anagramme : "mots, hommes, tissés, sites, danse, os, modes", tels sont quelques-uns de ces éléments. Chacune des deux voix a, à ses côtés, un instrument "leader" : la flûte pour le soprano, le cor pour le mezzo. L'ensemble instrumental proprement dit est divisé en trois groupes :

I. : piano 1, guitare, mandoline ; II. : alto, violoncelle, cor anglais, clarinette basse ; III. : piano 11 (au timbre légèrement modifié), harpe, marimbaphone.

En outre, les pianistes disposent de crotales, et le xylophoniste de quelques accessoires dont un jeu de cloches.

"Pratiquement, tous les timbres et tous les modes de jeu sont présents. Le piano 1 y joue un rôle prépondérant de guide puisqu'il "annonce", par une séquence soliste appropriée, la section qui va être jouée par les différents groupes, ou par l'un d'entre eux. En bref, l'œuvre est d'ordonnancement variable, autour d'un axe dont le piano exprime les contours : un "Introït" et une "Coda" l'enferment musicalement entre deux blocs fixes".

Compte non tenu de l'Introït (où dominent les deux voix) et de la Coda (effectifs au complet), il y a ici 24 sections de durées et d'effectifs variables, annoncées par le piano I, au timbre "normal". La 10e est une cadence d'alto solo, la 15e une vaste cadence des deux pianos, ce qui crée une certaine symétrie : 9 sections avant la cadence d'alto, 9 après celle des pianos. Dans cette dernière, le piano II n'est plus "préparé", mais retrouve provisoirement un timbre "normal". On entend les deux voix dans les sections 1, 13-14 et 22, le mezzo dans les sections 4 et 21, le soprano dans la section 8, les autres sont purement instrumentales (brèves interjections vocales des instrumentistes dans la section 6). Dans la section 24, une cadence "itinérante" de la flûte et du cor (les deux instrumentistes se déplaçant en cercle autour de la scène) avec comme "toile de fond" des interventions successives des autres instruments partant d'un trille fixe pianissimo. L'énergie incisive et la concentration qui sous tendent l'ouvrage n'est pas démentie, bien au contraire, par les très beaux accords, sombres et mystérieux, de la section 20.

La création française de Sonata pian'e forte a eu lieu à Champigny en mai 1974 par l'Ensemble 2E 2M.

Marc VIGNAL

(*) Journées de musique autour de compositeurs de notre temps (Production : Alain Bancquart).

(•*) Une autre édition du poème porte "tu fermes" ; le compositeur a utilisé les deux versions de ce premier vers.

GILBERT AMY

Né à Paris en 1936, il fait ses études musicales au Conservatoire de Paris avec, notamment, Darius Milhaud pour la composition, et Olivier Afessiaen pour l'analyse. Plus tard, il suit les cours d'été de Darmstadt et sera l'élève pour la Direction d'Orchestre, de Pierre Boulez (Baie 1965). Il succédera à ce dernier à la Direction du Domaine Musical en 1967.

Depuis 1976, il est le Directeur du Nouvel Orchestre Philharmonique de Radio-France. Ce compositeur de grand talent poursuit également une belle carrière de chef d'orchestre qui lui permet d'aborder toutes les esthétiques, certes, mais lui donne une occasion de défendre la musique de ce temps avec une expérience et une connaissance particulières.

 ŒUVRES PRINCIPALES

Mouvements pour 17 instruments (1958), Sonate pour piano (1957/60), Epigrammes pour piano (1961), Diaphonies pour orchestre de chambre (1962), Antiphonies pour deux orchestres (1960/63), Cahiers d'Epigrammes pour piano (1964), Triade pour orchestre (1963/64), Alpha-Beth pour sextuor à vents (1963/64), Strophe pour soprano et orchestre, sur un texte de René Char (1964/66), Trajectoires pour violon et orchestre (1966), Cycle pour 6 percussions (1966), Chant pour orchestre (1967/69), Cette étoile enseigne à s'incliner pour chœur d'hommes et divers instruments (1970), Jeux pour 1 à 4 hautbois (1970), Récitatif, Air et Variation pour 12 voix solistes (1971), D'un désastre obscur pour voix et clarinette (1971), Refrains pour orchestre (1972), D'un espace déployé pour orchestre et deux chefs (1972), Sonata pian'e forte (1974), Seven Sites pour petit ensemble (1975), Après "D'un désastre obscur" pour voix et 6 instruments (1976), Echos XIII pour 13 instruments (1976).

SLAVKA TASKOVA

La Soprano Slavka Taskova est née en Bulgarie, et vit en Italie. Elle est l'une des interprètes les plus importantes de la musique vocale moderne et contemporaine. Elle a chanté sur la scène des plus grands théâtres lyriques : Scala de Milan, Opéras de Berlin, Munich, Vienne, Amsterdam, etc... Elle a participé à de nombreux Festivals de Musique : Festival de Hollande, Mai Musical de Florence, Festivals de Vienne, Monaco, Berlin, Spoleto, etc...

Slavka Taskova se produit régulièrement dans un vaste répertoire de musique lyrique, de musique de chambre, moderne, contemporaine et d'avant-garde. Elle a effectué des enregistrements pour le disque ainsi que pour toutes les Radios européennes. En 1972, elle a remporté le Prix International "Apollon Musagète".

JUDITH NELSON

La Soprano Judith Nelson est née à Chicago. Elle a étudié le chant avec Thomas Wikman à Chicago, et avec James Cunningham et Martial Singher en Californie. Elle a étudié le style vocal médiéval avec Andréa von Ramm à Munich. Elle s'est aussi spécialisée dans la musique baroque, et a participé aux principaux Festivals européens, avec des ensembles réputés comme "La Petite Bande", et des clavecinistes comme William Christie, Trevor Pinnock, Scott Ross et Christopher Hogwood.

D'autre part elle s'intéresse activement à la musique contemporaine, ayant notamment chanté l'oeuvre de Gilbert Amy "Sonata pian'e forte" avec le "London Sinfonietta" à Royan et à Londres. Elle a donné les premières auditions d'oeuvres de Giuseppe Sinopoli et Michael Finnissey, et a participé au premier concert et à la première tournée de l'IRCAM. Elle a également chanté avec le Nederlands Blazers Ensemble (Ensemble d'instruments à vent Néerlandais), et la Reihe de Vienne.

ANNA RINGART

La mezzo-soprano Anna Ringart a fait ses études musicales : à Paris avec Marcel Ciampi pour le piano et Irène Joachim et Marguerite Liszt pour le chant ; en Allemagne à la Hochschule de Hambourg avec Peters Anders.

Elle obtient ses premiers engagements lyriques sur d'importantes scènes allemandes : Lubeck, Coblence, Dusseldorf et Hambourg.

Parmi de nombreux concerts, elle participe à des Festivals de musique contemporaine : Hanovre, Brème, Avignon, Royan ; et aussi à Aix-en Provence.

En 1973, Anna Ringart a chanté "Pierrot Lunaire" de Schoenberg pendant la dernière tournée du "Domaine Musical", dirigée par Gilbert Amy.

Depuis cette date, elle est membre de la troupe permanente de l'Opéra de Paris.

Elle fait aussi partie de "Contrastes", groupe régulier de musique de Chambre.

ORCHESTRE NATIONAL DE FRANCE

Créé par et pour la radio, l'Orchestre National est né le 18 février 1934. Sous l'impulsion de son fondateur D.-E. Inghelbrecht il devint bientôt l'un des plus remarquables ensembles symphoniques de France avant d'acquérir une renommée internationale. Lors de la création de Radio-France, en 1975, il prit le nom d'Orchestre National de France.

Les artistes composant l'Orchestre sont recrutés lors de concours d'un très haut niveau ; plusieurs formations de chambre se sont constituées au sein de l'Orchestre : Trio à cordes. Quintette de cuivres. Quintette à vent. Sextuor à cordes.

La vocation d'un orchestre de radio ne se limite pas à la diffusion du répertoire classique ou moderne : il assure également la création de nombreuses œuvres contemporaines ; son répertoire en ce domaine offre un panorama complet de la musique vivante.

Chargé de maintenir un contact étroit et permanent entre le public et la musique par les voies conjuguées du concert, de la radio, de la télévision et du disque, l'Orchestre National de France donne des concerts réguliers durant la saison parisienne au Théâtre des Champs-Elysées, Salle Pleyel et à la Maison de Radio-France. 11 participe en outre à de multiples festivals tant en France (Aix-en-Provence, Besançon, Bordeaux, Orange, Strasbourg, Royan) qu'à l'étranger (Londres, Edimbourg, Lausanne, Athènes, Baalbeck, Persépolis, Hong-Kong), et ses tournées internationales l'ont conduit sur tous les continents : Allemagne, Autriche, Belgique, Pays-Bas, Norvège, Danemark, Italie, Espagne, Roumanie, Bulgarie, Pologne, Hongrie, Union Soviétique, Canada, Etats-Unis, Egypte, Amérique du Sud, Japon.

Les plus grands chefs se succèdent au pupitre de l'Orchestre National de France : Toscanini - qui le choisit dix huit mois seulement après sa création, pour donner un concert à Paris - Koussevitzky, Furtwaengler, Walter, Klemperer, Sir Thomas Beecham, Krips, Schuricht, Jochum, Szell, Klecki, Dorati, Boehm, Celibidache, Bernstein, Rostropovitch, et aussi Monteux, Cluytens, Boulez, Markevitch, Paray, Martinon, et Charles Mùnch.

Actuellement, le Directeur musical est Alain Moëne, et Lorin Maazel est Premier chef invité de l'Orchestre National de France.

NOUVEL ORCHESTRE PHILHARMONIQUE DE RADIO-FRANCE

Le Nouvel Orchestre Philharmonique l'une des principales formations symphoniques de France - existe maintenant depuis plus de deux ans, puisqu'une nouvelle structure fut officiellement mise en place le 1er janvier 1976 avec comme directeur musical Gilbert Amy.

Cet orchestre se compose de 137 musiciens, mais a la particularité de pouvoir se démultiplier afin d'assurer parallèlement différents types de formations orchestrales. Le Nouvel Orchestre Philharmonique peut ainsi programmer des séries de concerts aussi variés que : série symphonique, série baroque et classique, musique sacrée, musique au présent, musique pour tous, sans toutefois oublier sa participation régulière à la Saison Lyrique, à Prestige de la Musique, Perspectives du XXe siècle, etc...

Pour la saison 77/78, nous pouvons citer les principaux chefs qui ont dirigé le Nouvel Orchestre Philharmonique : Alexandre Lazarev, Yuri Ahronovitch, Kiril Kondrachine, John Poole, Michael Tilsson-Thomas, Emmanuel Krivine, Charles Mackerras... Le Nouvel Orchestre Philharmonique était présent en fin de saison 77/78 dans trois grands festivals : "Festival d'Aix-en- Provence" : 5 séries de représentations de "Don Pasquale" de Donizetti. 2 concerts de musique symphonique sous les directions de Raymond Leppard et Gilbert Amy.

"Festival de Carpentras-Vaison la Romaine" : "Mireille" de Gounod. Direction Roberto Benzi. Un concert symphonique : direction Gilbert Amy.

"Festival de musique à la Besnardière" : sous la direction de Charles Farncombe, le Nouvel Orchestre Philharmonique a participé à l'unique représentation de "Jiulio Cesare" de Haendel. "Festival estival de Paris" : 5 concerts, dont la version intégrale de "Rosamunde" de Schubert, sous la direction de Théodor Guschibauer.

Les concerts du Nouvel Orchestre Philharmonique ont lieu régulièrement à Paris au Grand Auditorium de Radio-France, à la Salle Pleyel, au Théâtre des Champs-Elysées et dans les Eglises parisiennes. Soit, de septembre à fin juin, plus de 50 concerts par saison qui sont tous radiodiffusés et certains télévisés.

Dans la collection MUSIQUE FRANÇAISE D'AUJOURD'HUI. BETSY JOLAS. STANCES, POINTS D'AUBE, J.D.E. Claude Heiffer, pianiste - Serge Collot, altiste. Nouvel Orchestre Philharmonique de Radio-France. Ensemble Ars Nova. Direction : Marius Constant. Album luxe 14. 013